Rosa en marfil.

Al verla mi primer pensamiento fue al poema de Martí, "Cultivo una rosa blanca..."

Un muy bonito y delicado trabajo seguramente de hechura europea, si bien al no tener la total seguridad lo clasifico como de origen no determinado. La pieza  mide 5.5 cm  por 4.5 cm. Sobre el tallo, forma un bucle que permite el paso de una cadena o cinta para ser usada como un colgante.

Cristo en marfil.

Un Cristo tallado en marfil y que se encuentra en un cuadro con varillas doradas a la hoja y cubierto de terciopelo en el que se resalta en relieve La Cruz.

El cuadro mide 37 cm de alto por 31 de ancho. La distancia  que va del texto INRI a los pies del Cristo mide 16 cm. El cuerpo en sí de pies a cabeza mide 11 cm.

Atención amigos de Argentina:

En la parte posterior del cuadro existe una etiqueta metalizada y autocolante de una casa llamada L'Atelier, que da como dirección Sta. Fé 2185 ó 1185 y el teléfono con la abreviación TE 44  4623. Imagino que entre quienes nos leen desde Argentina alguien podría tener noticias de esta casa y por los dígitos telefónicos una época aproximada. Si bien tengo la casi seguridad de que el trabajo es Europeo, imagino que es posible que esta casa importara la parte en marfil y confeccionara el cuadro en sus talleres, en fin, toda información será apreciada y desde ya agradecida.

Boquillas en marfil y hueso.

Teniendo en cuenta que fumar es peligroso para la salud, pero considerando que en la primera mitad del siglo XX ese concepto no se había popularizado, presento, un par de boquillas de esa época.

La mayor, que mide 13.5 cm de largo, está hecha en marfil y tiene el expulsor funcionando y la virola es de oro. Es una muy bonita pieza, seguramente de origen europeo y es la que motiva esta entrada.

La menor, de origen chino, mide 10 cm de largo está tallada en hueso y la incluyo a modo ilustrativo. Hay muchas y variadas boquillas hechas en China o India, generalmente están decoradas con flores o dragones. Esas boquillas eran hechas para la exportación o como "souvenirs" para viajeros y debemos estar atentos ya que la mayor parte fue hecha en hueso.

Alhajero en bronce, con miniatura pintada sobre marfil.

Un alhajero, muy probablemente de origen francés, hecho en bronce con detalles en relieve como se puede apreciar en la foto. Al centro, una miniatura pintada al óleo sobre marfil representando a... (aquí se aceptan colaboraciones).

El alhajero de forma ovalada mide 12.5 cm de largo y 9.5 cm de ancho y tiene una altura de 3 cm. La miniatura tiene un radio de 5cm y se encuentra protegida por un vidrio. 

Lupa, mango en marfil y plata.

Una bonita lupa con un lente de muy buena calidad y aumento. Tiene el mango en marfil y plata. Sobre uno de sus lados hay un monograma con las letras C y S. Este trabajo es evidentemente de hechura europea, y seguramente fue importado en la primera mitad del siglo XX.

Tomando en cuenta el aumento y lo bueno del lente, esta lupa pasa a ser desde hoy la de mi uso personal para observar las piezas de esta colección.

Mide 16.5 cm de largo de los cuales el mango ocupa 9 cm.

Talla en marfil policromado. Probablemente Zhang Guo Lao.

Una bonita talla China en marfil policromado. La figura así como los ricos detalles de la vestimenta están muy bien logrados y representa en cierto modo algo bastante diferente a las piezas chinas que generalmente vemos. Me da la impresión que podría ser una representación de Zhang Guo Lao, uno de los Ocho Inmortales del taoismo Chino. Quien desee conocer mas sobre este grupo puede ver en el índice de temas bajo ocho inmortales. Igualmente reproduzco a continuación la descripción que doy de este inmmortal en esa entrada.

La pieza mide 9 cm. de alto.

Los ocho inmortales: Zhang Guo Lao.

Zhang Guo Lao es uno de los ocho inmortales y es también conocido con el nombre de Maestro del Profundo Conocimiento.Su símbolo es un tambor de bambú con forma de tubo que simboliza la longevidad y dentro del cual lleva unos palillos de hierro usados como castañuelas. Posee una mula que puede doblar y plegar como si fuese de papel y guardarla en su carpeta cuando no la utiliza. La asociación con el animal es tan estrecha que cuando éste no aparece en la iconografía suele haber dibujada una pequeña miniatura en la que aparece envuelta en una nube que sale de la boca del tambor o de la calabaza. A menudo monta mirando hacia atrás. Representa a los ancianos.

Posacubiertos en marfil. África.

Un par de posacubiertos de origen africano, las piezas, colocadas a la horizontal servirían para apoyar sobre ellas los cubiertos de manera de no ensuciar la mantelería...

Durante mi vida me ha tocado sentarme a unas cuantas "mesas" africanas y los posacubiertos así como los cubiertos estaban generalmente ausentes, es por tal razón que pienso que estas piezas fueron talladas para ser vendidas a turistas o colonos occidentales. Igualmente, el tallado de los rostros ejerce la atracción de su propio primitivismo y es por tal razón que he decidido quedarme con ellos en mi colección.
Miden 8 cm  y 7.5 cm de largo respectivamente.

Abanico en marfil y encaje.

Un bonito abanico con los padrones tallados en marfil. Las varillas son en marfil o hueso. El paisaje está trabajado en encaje y representa flores y una mariposa calada en la tela y con pequeños bordados. Una pieza cuyo origen no puedo determinar si bien imagino que debe ser hecha en China para la exportación. Un trabajo muy bonito y delicado. Abierto mide 46 cm y cerrado mide 24.5 cm.

Servilleteros en marfil, China.

Un bonito par de muy trabajados aros para servilletas. Una hechura típicamente cantonesa en la que la delicadeza del tallado nos deja siempra asombrados. Integrado en la filigrana tallada al centro de las piezas, hay un pequeño escudo en blanco destinado a grabar las iniciales del propietario, algo que quedó sin hacerse quizá por temor a dañar el objeto.

Un ejemplo más del fino trabajo realizado en Cantón con destino a la exportación hacia Occidente durante fines del siglo XIX y principios del XX.

Los servilleteros miden 5 cm de radio y tienen una altura de 3 cm.

Budai, marfil, China.

Una figura representando a Budai o P'utai como también se lo llama en China. La figura se encuentra sobre una base de marfil y mide 8.5 cm de alto. Estas figuras son conocidas también como "Buda sonriente" o como las llaman en Inglés "Happy Buda"

Budai:

Un legendario monje budista itinerante del siglo X que se convirtió en un tema popular en la expresión plástica tanto china como japonesa. Su verdadero nombre se dice que fue Qici (en japonés Keishi), y su biografía se encuentra en las "Leyendas de Sumos Sacerdotes de la dinastía Song". Vivió en el Monte Siming en la provincia de Fenghua donde se dice que paseaba por un pueblo cercano llevando un gran saco de tela (Chino = Budai; Japonés = Hotei). Fue así que ganó el apodo de "Sacerdote Budai." La manera de ser de Budai identificada con el concepto de "inocencia ilustrada" le llevó tal como a Hanshan y Shide Kanzan Jittoku a ser admirado como un ejemplo de valores de Zen. Aunque originalmente se dijo que llenó su bolsa con todo lo que encontró en sus viajes, posteriores interpretaciones de Zen hablan de "Bolsa vacía de Budai."
Budai también fue considerado como una encarnación de 'Buda Maitreya', que se considera el sucesor de 'Gautama Buda' de acuerdo con la cultura budista o Shinto. De allí surge la creencia en la mitología China de que una imagen de un Buda sonriente puede atraer la buena suerte, el éxito, la felicidad, la prosperidad y la riqueza.

En Japón, cuando bajo las órdenes del Shogun Tokugawa Iemitsu, (1623-1650), el monje Tenkai fue encargado de crear los Siete Dioses de la Suerte (shichifukujin), escogió a Budai a quien en japonés se lo llama Hotei como uno de ellos y le adjudicó la virtud de la generosidad.

Martillo de marfil. mango en hueso.

Un elegante y pequeño martillo confeccionado en marfil. El mango, se encuentra hecho en hueso. Ignoro si se trata de un mango que suplanta al original o si siempre fue así. Fuera de lo "snob" no logro imaginar un uso adecuado para este martillo, quizá como adorno, como regalo a un rematador o quizá para presidir una sociedad muy secreta y callada... El mango mide 10 cm. y el martillo en sí, mide 4 cm. de largo por 3 cm. en su parte mas ancha.

Caja para grillos, marfil, China

Una caja, de las utilizadas para transportar y/o guardar grillos. Tallada en marfil, además de poder separarse en dos partes mediante una rosca, permite la remoción de la parte central de la tapa superior que està sujeta al cuerpo por una muy fina rosca trabajada en el mismo marfil. El diámetro de la caja es de 6 cm. En China y también en otras zonas de Asia, se encontraba placer en escuchar el canto de los grillos. En realidad no se trata de un canto sino del llamado del macho a la hembra y que lo produce con el roce de sus patas traseras. Poco a poco se fue popularizando la costumbre de tenerlos en cajas, al principio de bambú y luego realizadas en materiales mas lujosos. También existía la costumbre de peleas de grillos en las que se hacían fuertes apuestas.

Conociendo lo molesto que es el chillido de un grillo, especialmente a la hora de dormir, no comprendo que extraño placer pudieran sentir los chinos en escucharlo...

Mujer o deidad en una ostra. Talla en marfil, China.

Una talla que reproduce una ostra o algún otro tipo de molusco del cual surge una mujer o deidad. La figura de origen chino, posee paisajes pintados en ambas valvas y textos en mandarín. En la valva superior están tallados tres sapos y una tortuga, todos ellos signos auspiciosos en la mitología China. He buscado sin lograrlo, alguna leyenda que corresponda o explique esta imagen. Podría ser que no explicara nada salvo una bonita mujer, o quizá tenga algo que ver con la ostricultura que se remonta en China a tiempos antiguos. Mas adelante,  cuando logre realizar la traducción de los textos, es posible que estos den alguna pista sobre el significado de la figura o sobre lo que esta simboliza. De todos modos una bonita pieza y un gran esfuerzo por parte del tallista que realizó toda la pieza en un bloque de marfil. Las medidas son 9.5 cm. de ancho por 5 cm de profundidad y 4.5 cm de alto. Posee una base de madera de 3.5 cm de altura que ha sido especialmente tallada para contener la forma de esta pieza.

Abanico tallado en marfil, China.

Un pequeño y bastante moderno abanico hecho totalmente en marfil.
Presenta como curiosidad la ausencia completa de cintas o encajes que en otros se usan para sostener las varillas. En este caso, dotado de un clavillo bastante ajustado y diferente a los que usualmente se ven, el abanico se despliega de ambos lados calzando justo y sin varillas que se salgan de lugar.
Los padrones son ligeramente mas gruesos que las varillas pero no tanto como se ve en abanicos mas antiguos. Posee un bonito y simétrico calado muy bien logrado. Cerrado mide 20 cm, pero al abrirse mide 36 cm. en su parte mas ancha. Seguramente una pieza China o de Hong Kong hecha para la exportación sobre mediados del siglo XX.

Fuxing (Las tres estrellas) China.

Una representación de Fuxing, uno de los tres ancianos venerables, o tres estrellas. Aquí lo vemos con un niño como es costumbre en estas representaciones. La figura, tallada en marfil de elefante, mide 13 cm de alto y tiene una base de madera de 2 cm. 

A los efectos de aportar algo mas de material sobre estos dioses de origen taoista, publico un texto que encontré en el sitio del Museo de Valladolid sobre esta triada. El texto se refería a representaciones en cerámica expuestas en dicho museo, por lo que las especificaciones sobre colores no son necesariamente válidas en referencia a las tallas de marfil.

Las tres felicidades Chinas:

Entre las figuras más famosas del taoísmo chino están los llamados "Sa Sing" "Tres Estrellas", conocidos también como "Los Tres Venerables Ancianos", o "Tres Felicidades". Son divinidades estelares, muy respetadas y amadas por el taoísmo popular. Se llaman Fuxing, "Estrella de la buena fortuna", dios de la felicidad; Shouxing, "Estrella de la vejez", dios de la longevidad; Luxing "Estrella de la prosperidad", dios de los cargos oficiales y de la abundancia. Se conocen también como "San Xing Kong Tchao", Las Tres Felicidades que se encuentran, o se saludan. Esta tríada gozaba de gran popularidad desde el siglo XV en adelante. La primera vez que se habla de ellos es en la obra titulada "El Festival de los Oficiales Inmortales Fu, Lu y Shou", escrita por Zhu Youdun (1379-1439). En este drama -publicado en 1443-, las Tres Estrellas descienden en el mundo de los mortales con ocasión del festival lunar del Año Nuevo.

Fuxing es la divinidad de la felicidad doméstica, simbolizada por una numerosa descendencia. Generalmente va acompañada de uno o más niños varones, pues sólo ellos podían hacer ofrendas por los antepasados. Según la tradición oral de Taipei, este personaje correspondería al rey Wen de la dinastía Zhou Occidental. Va vestido con un gorro taoísta y a veces lleva en la mano un cesto de flores.

Shouxing es la divinidad de la larga vida. Entre sus atributos están: la barba blanca, el largo bastón nudoso, el ideograma "shou" (longevidad), los melocotones de la inmortalidad. En ocasiones lleva también una calabaza que contiene el polvo de cinabrio, indispensable en la preparación de la droga de la inmortalidad. También suele acompañarle un ciervo o una grulla, ambos símbolos de larga vida.

Luxing es el dios de los cargos oficiales y de los honores. Va vestido como un funcionario imperial y cubierto con un bonete de letrado. Es considerado como el genio de la riqueza y del éxito dentro de la jerarquía social.

Se le representa de dos modos: unas veces va con vestimenta roja -color de la alegría-, y lleva en la mano el cetro "joo-i" símbolo de la plena satisfacción de los deseos; otras lleva un vestido verde, y sostiene en la mano las tablillas de la audiencia honorífica, propias de su alto cargo.

Okimono en marfil de morsa. Hombre con abanico y libro.

Un joven hombre dedicado a la lectura y sosteniendo con una mano un libro mientras que con la otra mano apoya un abanico en su cabeza como si estuviera memorizando algún texto. La escultura está tallada en marfil de morsa y es interesante ver como el tallista supo "esquivar" las dificultades que presenta la dentina secundaria de dicho marfil logrando una hermosa pieza, en particular los detalles del rostro del joven hombre.

La figura mide 13.5 cm de alto.

Firma, signature: Shozan (Matsuyama) 

PRESENTANDO A  PAUL WAKELY: Paul Wakely es un estudioso de lenguas orientales. En lo que a nosotros concierne, su conocimiento del idioma japonés es de una gran utilidad para quienes coleccionamos netsuke y okimono.

Quienes visitan este sitio con alguna asiduidad, habrán notado que últimamente he logrado publicar la lectura de la firma de casi todas las piezas que aquí exhibo. A pesar de mis 4 años de estudio del idioma japonés, esto no hubiera sido posible sin el trabajo de Paul Wakely quien ha logrado identificar muchas de las firmas que muestro y corregir algunas malas lecturas que tenía de otras.

Paul me envía esas fichas que incluyen una foto de la pieza, la caligrafía del kanji correspondiente, el mismo kanji en "imprenta" y las lecturas del mismo en el silabario Hiragana así como en Romanji, esta última es la lectura en nuestro alfabeto y es esa lectura la que nos permite buscar referencias del tallista en libros y documentos dedicados a este tema. Si recorren el blog verán varias que he incluido, principalmente en los netsuke.

En muchas oportunidades, como en la lectura de la pieza que muestro arriba en esta entrada, Paul me envía la lectura correcta de la época con el kanji arcaico que en este caso sería Shozan y la lectura actual con el kanji que suplantó al anterior que en ese caso sería Matsuyama.

Cuando en su biblioteca encuentra alguna referencia también me la comenta y me informa sobre la misma. Realmente el trabajo que Paul hace es de mucho valor para quien quiera coleccionar netsuke y okimono.

Muchas veces vemos un netsuke firmado y quien lo vende solo nos puede decir que está firmado... Si tuviéramos la lectura de la firma, podríamos saber si el tallista figura en alguno de los libros sobre netsuke o si es un nombre de fantasía y se trata de una copia bien hecha pero copia al fin. Esto es muy válido para comerciantes que piden grandes sumas por netsuke de los cuales no nos saben decir quien los firma...

Bueno, para muchos de estos problemas y para quien desea poner orden en su colección o saber mas de ella, Paul Wakely ofrece un servicio de traducción que no puedo dejar de recomendar ya que me encuentro 100% satisfecho con los resultados que he obtenido. Quienes deseen conocer un poco mas sobre este servicio pueden dirigirse directamente a su página en e-bay donde Paul ofrece sus servicios de traducción. Estoy seguro que quedarán tan satisfechos como yo lo estoy con esta posibilidad de incrementar el conocimiento y el valor de las piezas que poseemos.

Abanico de marfil y seda, pintado a mano.

Un gran abanico con las varillas de marfil y los padrones trabajados en marfil calado. El paisaje es en seda y pintado a la mano representando mariposas y ramas de arbustos o enredaderas en flor. Como se ve en una de las fotos, viene con una abaniquera para su protección y mejor exhibición, si bien creo que esta abaniquera es bastante mas moderna que el abanico. En cuanto al origen, imagino que es de procedencia oriental, pero no podría decir exactamente de que país. Está muy entero, particularmente en el marfil, la seda presenta algunos pequeños desgastes especialmente en la zona de los pliegues. Una vez abierto, mide 61 cm de largo por una altura de 30cm.

Libro: Netsuke, las grandes miniaturas de la escultura japonesa, por Guillermo Mateu.

Después de buscarlo un buen tiempo, ha llegado a mis manos el libro de Guillermo Mateu.

Un libro impreso en un excelente papel y  que en sus 186 páginas e ilustraciones, nos regala con un muy interesante, detallado y metódico análisis sobre los netsuke.

Además de ilustrarnos sobre las diferentes escuelas, temática y clases de netsuke, trae reseñas sobre los dioses y seres mitológicos del Japón que son generalmente representados en los netsuke. El orden de las ilustraciones facilita la comparación y da una guía para que podamos a partir de este libro reconocer alguna figura en nuestras propias colecciones.

Incluye además, un índice de firmas de tallistas, algo que los coleccionistas siempre aprecian y como todo libro europeo, las medidas son dadas en el sistema métrico.

Personalmente había buscado este libro sin éxito hasta que alguien desde Barcelona, gentilmente me informó donde hallarlo y hasta se ocupó personalmente de hacérmelo llegar.

El libro se puede conseguir en una tienda que tiene Cristina Mateu, hija de Guillermo Mateu, a quien ahora pueden escribirle por e-mail  pero que seguramente también responderá llamadas telefónicas para quienes estén mas cerca.

Para aquellos que deseen tener este libro y tengan algún amigo o pariente en Barcelona a quien darle el encargo, o si tienen la suerte de pasar por esa hermosa ciudad, se pueden dirigir a la tienda de Cristina Mateu en la siguiente dirección:

William's

Bulevard dels Antiquaris, tienda No. 20

Paseo de Gracia 55-57

08007 Barcelona.

Tel. 93 488 35 70.

Personalmente creo que este libro puede ser de gran ayuda para quien quiera coleccionar netsuke y lo recomiendo.

Caja China de marfil.

Una bonita caja tallada en marfil con tres fichas en su interior que servirían para jugar o contar. La caja, un típico trabajo en el estilo que hizo famosos a los tallistas de Cantón, se abre deslizando la tapa hacia un lado. Las fichas, son de marfil a diferencia de otras similares que he visto que generalmente las traían de nácar. La caja mide 6.5 cm. por 6.2 cm. la altura de la misma es de 1.8 cm. De las tres fichas, los triángulos rectos miden 5.2 cm. y 3.8 cm. de lado respectivamente el mayor y el menor, midiendo la ficha cuadrada 2.8 cm. de lado. las fichas tienen motivos florales tallados a ambos lados.
Creo que vale la pena ampliar la foto para ver el trabajo y profundidad logrados por el tallista así como los detalles en los lados de la caja y en las fichas. Es posible que este trabajo sea de fines del siglo diecinueve. Si bien es la primera caja de este tipo que llega a mis manos, el tallado se asemeja a los trabajos Cantoneses que se ven generalmente en los tarjeteros y otros objetos de exportación de fines del siglo diecinueve.
Es posible que las fichas correspondan a algún juego en particular...si alguno de quienes leen esta página sabe algo mas al respecto, su colaboración será agradecida y valorada.

Okimono, "Camarero en problemas". Colección Oñate (12).

Nuestro amigo Oñate nos tiene acostumbrados a muy bonitas piezas. Siguiendo esa buena costumbre, nos ha hecho llegar este magnífico Okimono que muestra a un camarero a quien se le ha caído parte de lo que llevaba.

La escultura está realizada en marfil y madera, y está muy bien lograda. Vale la pena observar tanto la expresión del desafortunado camarero así como la vestimenta y objetos que enriquecen la escena, algunos de ellos en "movimiento" como la libreta que se está cayendo...

La obra ha sido realizada con gran detalle, lo que nos habla de un muy buen artista, que ha logrado en una escena, darnos todos los elementos de un pequeño traspié en la vida cotidiana de este camarero. Personalmente, estos Okimono que muestran actividades y personajes comunes, no dejan de maravillarme y más aun cuando tengo la suerte de poder ver uno de esta calidad.

Existen en la base dos ideogramas, el que está en verde se lee como Koku y quiere decir "tallado por". El segundo corresponde a la firma del tallista.

La figura mide  16 cm. de alto.

Firma, Signature: Katsumitsu

Figura birmana (Myanmar) tallada en marfil.

Una interesante talla y para estas latitudes, rara, de origen birmano. Es poco lo que sabemos sobre las tallas birmanas, salvo que dicha actividad se origina a mediados del siglo XIX, de la mano de los tallistas chinos que enseñaron su arte a los locales. Es conocido que los tallistas birmanos tenían la costumbre de realizar las piezas con la parte interior del colmillo desechando las partes exteriores por considerarlas no tan buenas y menos blancas.

La figura que aquí presento, hizo su camino desde Myanmar cuando el país aun se llamaba Birmania, y fue traída al Río de la Plata por viajeros en la primera mitad del siglo XX.

La pieza que representa a una mujer que lleva en su cabeza una cesta con frutas y/o verduras, está muy bien tallada y en detalle. Véase las pulseras o el vestido y se notará que fue hecha por un buen tallista.

Con respecto a la base de madera, no puedo asegurar que sea original pues da la impresión que la base real es la de marfil sobre la que se encuentra parada la mujer. Quizá la base de madera le fue agregada en algún momento para darle una mayor altura.

Mide 14 cm. de alto más 2 cm de la base de madera.

Mango de bastón o sombrilla tallado en marfil.

Un mango que probablemente ha servido a un bastón no muy grueso o una sombrilla. La imagen muestra un león que sostiene en sus fauces una gacela o similar. No deja de ejercer una cierta fascinación la manera como el rey de la selva asegura su sustento.

Una bonita pieza, seguramente de origen africano y por la pátina y quebraduras del marfil bastante antigua. La figura mide 4 cm. de alto.

Okimono, campesino cosechando renkon.

Las actividades de la vida diaria y los personajes comunes fueron motivo de muchas tallas japonesas. Dentro de ese estilo presento aquí un okimono tallado en marfil, que muestra un campesino que ha estado  juntando raíces de loto algunas de las cuales ha depositado en la cesta que está a sus pies mientras sostiene otra con la mano. La figura mide 10.5 cm. de alto.

Firma, signature: Souju  

La raíz de Loto o Renkon.

Se cultiva mayormente en Asía. En Japón se consumen los pétalos de las flores, pero sobre todo la raíz. En la cocina Nipona se la presenta estofada con carnes o en sopas. También se la corta en láminas finas y fritas, hervida o asada.

En Japón, La raíz de Loto se cosecha alrededor del 15 de diciembre para así distribuirla en los mercados donde se hacen las compras para preparar las comidas tradicionales del Año Nuevo. Las presentan en rodajas confitadas siendo esta una especialidad típica en esta celebración o también con los agujeros rellenos con wasabi y carne picada. El motivo de que sea típico en Japón consumir este alimento en la festividad de fin de año es porque existe la tradición de que a través de los agujeros de la raíz se puede ver el futuro.

Este es un resumen sobre el tema, a quien interese podrá encontrar mucho mas en Curiosidades de Cocina de donde he tomado esta información.

Cundi Avalokitesvara, marfil, China.

Una figura de marfil con 18 brazos representando a la deidad originaria de India y adoptada mas tarde por el budismo chino. La pieza, de origen chino, mide 16 cm. de alto por 7 de ancho sobre una base de madera de 4 cm. de alto por 10 cm. de ancho.

Según la leyenda, hace mucho tiempo, mil príncipes hicieron el voto de convertirse en budas. Uno de ellos llegaría a ser el Buda que vulgarmente conocemos como Buda, y que en su vida terrenal era conocido bajo el nombre de Siddharta.

Sin embargo, un príncipe llamado Avalokitesvara, hizo el voto de no alcanzar la Iluminación hasta que todos los otros novecientos noventa y nueve príncipes se hubieran convertido en budas.

Si bien en India donde se origina la leyenda, Avalokitesvara es una deidad a la que se refieren en género masculino, en China por diferentes razones y/o confusiones, pasó a ser nombrada como de género femenino, y su forma más conocida es la de Kuan Ying.

La Diosa de la Misericordia de los Dieciocho Brazos

Cundi Avalokitesvara, conocida también como Maha Cundi Bodhisattva, es una de las formas de Avalokitesvara. Se le denomina como la madre de los Budas. Se la suele representar sentada con 18 brazos que sostienen varios instrumentos del Dharma representando los muchos medios poderosos del Tantra.

La palabra “Cundi” significa literalmente “extremadamente puro”. Debido a su posición como la Madre de todas las Deidades del Loto dentro de la tradición tántrica, recibe el denominativo de Buda Madre o Madre de los Budas. Dentro del tantrismo, se la conoce también como Buda Madre de los Siete Koti, que significa Madre de los Siete Mil Millones de Budas y Bodhisattvas.

Los dieciocho brazos de Cundi Avalokitesvara representan los Dieciocho Métodos no Comunes, que pueden destruir la ignorancia de todos los seres pensantes. Quienes practican las enseñanzas de esta deidad, eliminarán todos los pecados y estarán prevenidos de todos los desastres. A la vez, todos los deseos de esta vida, sean mundanos o supramundanos, serán cumplidos en forma apacible y paulatina. Teniendo dieciocho brazos y tres ojos, Cundi es una muy poderosa fuerza espiritual dotada de la“Vajra (regla) más victoriosa”.

Una vez más quiero agradecer al Profesor Luis Chong quien desde su blog nos brinda la información que acompaña a esta figura.

Okimono, pareja de pescadores. Colección privada (Chile).

Nos llega, de una colección privada en Chile, esta muy buena pieza que nos muestra una pareja de pescadores ya ancianos, llevando un arpón y la respectiva cuerda para sujetarlo una vez la presa arponeada. Probablemente, las miradas que parecen atisbar en el horizonte, buscan una morsa o seguramente algún otro mamífero marino con la esperanza de cazarlo.

Es asombroso el contraste entre el cansancio, el desgaste y la casi decrepitud de los cuerpos de ambos viejos, y la esperanza reflejada en sus rostros ante una posible caza. La pieza mide 27 cm de alto.

Una calidad de tallado realmente excelente en un muy buen marfil. Desde ya doy las gracias al propietario de la escultura por permitirnos exhibirla aquí.

Firma, signature: Toukai

Ánforas talladas en marfil.

Un par de ánforas o floreros finamente tallados. Se pueden desmontar en tres partes, lo que se hace con un sistema de roscas torneadas en el mismo marfil. El tallado por demás delicado, representando flores y hojas, está hecho en el típico estilo de la escuela de Cantón. Existen dentro de las piezas, a la altura de las roscas interiores, signos que no creo correspondan a firmas sino más bien a marcas hechas para facilitar el ensamblado de las mismas. Si tuviera que darles una fecha aproximada, y a pesar de estar hechos con el detalle de los trabajos de fines del diecinueve, dan la impresión de haber sido hechos a mediados del siglo XX. Las piezas miden 20 cm de alto.

El cuidado de los marfiles.

Siempre pensé que como coleccionistas, somos en realidad custodios de un objeto y que de cierta forma, debemos preservarlo lo mejor posible para quien sea el próximo depositario. Con el tiempo, los objetos que hoy atesoramos nos sobrevivirán y sería bueno que lo hagan en las mejores condiciones posibles…

Casi todos los libros que tratan el tema de los marfiles, traen un consejo o advertencia sobre como cuidarlos. Aquí hago un resumen de lo que se dice en ellos y le agrego alguna que otra idea de mi propia experiencia.

Diría que si uno no tiene o no se siente confiado en su propia habilidad manual, es mejor no emprender tareas que impliquen remover partes. Por ejemplo, es bastante común encontrar algún marfil con restos de pegamento que subsanan alguna rotura. Muchas veces es un pegamento inadecuado y hasta hay excesos que sobresalen. Yo he tenido algo de éxito removiendo estos pegotes, pero me ha sido invalorable la ayuda de mi odontóloga, a quien he tratado de manera interesada de interesar en el tema…

Por suerte hasta ahora no he necesitado grandes trabajos de restauración, en Estados Unidos está Ron Fromkin quien es un excelente restaurador y con quien he tenido contacto pero, lamentablemente las regulaciones de CITES hacen que sea imposible llevar y traer marfiles desde allí, ni siquiera una admisión temporaria para proceder a la reparación es posible.

Eso nos deja nuevamente con el problema, y yo creo que antes de intentar una reparación, si no se está seguro, es mejor limpiar la pieza y dejarla como está hasta que encontrar a quien realmente sepa como hacerlo. Un restaurador sólo puede ser evaluado por los trabajos realizados, así que se imponen las referencias.

Me sucedió hace poco, había visto una linda figura femenina en un comercio local, la pieza, originalmente teñida, sufría de una decoloración de esas que se dan porque una parte de ella ha estado durante mucho tiempo sobreexpuesta a la luz. No me importó mucho pues pensé que la pieza valía la pena igual, así que quedé con el vendedor de regresar el domingo siguiente a buscarla. Cuando llegué, el vendedor me muestra la misma pieza de color completamente marrón y me dice que la enceró para que quedara igual… Siendo el marfil poroso, con mucha tristeza de mi parte, allí quedó la figura junto al improvisado restaurador…

Volviendo al tema del cuidado, en lo que todos están de acuerdo es en que el marfil necesita un cierto grado de humedad, por tal razón es recomendable mantenerlos en una vitrina cerrada en la que se debe colocar un vaso o recipiente con agua. Esto le daría la cantidad de humedad necesaria.

Es aconsejable usar guantes de algodón para manipularlos, no hay que olvidar que la transpiración de la piel es ácida y esto ataca al marfil.

La luz debe ser indirecta y suficientemente alejada como para no dar calor a las piezas. La exposición a la luz directa o al calor excesivo podría producir rajaduras y descoloramientos en el marfil.

Cuando una pieza lo necesite se puede lavar, esto debe hacerse en agua a 18 – 22 grados y con algún jabón neutro. Personalmente he probado ese que tiene pH neutro y que se publicita en la tv y me ha dado buen resultado. Mi método consiste en colocar la pieza en un recipiente con agua y colocar un poco del jabón en un cepillo de dientes relativamente blando y pasarlo con cuidado. Tras no mas de 5 minutos de sumergida la pieza, proceder a enjuagarla con abundante agua a fin de eliminar los restos de jabón que puedan quedar en ella. Luego secarla con papel absorvente como el que se usa en la cocina, Los restos de agua que queden en zonas difíciles de secar con el papel se pueden secar con cotonettes.

No es recomendable utilizar agua oxigenada, soluciones amoniacales o similares para “blanquear” el marfil ya que esto a la larga lo perjudica y son sustancias agresivas.

Achim Hartmann, en su libro “Okimono”, sugiere que si es necesario se puede pulir un marfil. Recomienda para ello el uso de un taladro como el del dentista con un disco de cuero de pulir y nos brinda una serie de especificaciones al respecto. Recomienda, una vez hecho esto, tratar al marfil con aceite de almendras. aquí volvemos a lo que ya he dicho, si uno se tiene la confianza y está seguro de lo que hace... Igualmente me parece una buena idea lo del aceite de almendras que también podría aplicarse tras limpiar una pieza.

Queda, como siempre, el tema abierto a comentarios y/o nuevos aportes…

Okimono, joven mujer con sombrilla. Marfil de morsa.

Antes de describir la pieza, traduzco a continuación un texto de Bob Weisblut, publicado en la IIS (International Ivory Society) sobre identificación de los diferentes tipos de marfil. Quienes se interesen en este tema podrán encontrar más información en la página de la sociedad.

“El segundo tipo de marfil más común es el de los colmillos de la morsa. La característica de este marfil es que el hueco que correspondería al nervio se encuentra lleno de una materia de tipo cristalino llamada dentina secundaria. No hay raíz nerviosa. Los colmillos son además mas ovales que los del elefante y suelen tener una hendidura al costado. Ningún otro marfil tiene esta estructura cristalina, así que si hay trazas de ella en una pieza terminada la única conclusión posible es que sea marfil de morsa”.

La figura que presento, es un bonito okimono que muestra una joven mujer intentando abrir o cerrar su sombrilla. Como ya lo he dicho en entradas anteriores, aun no sé si según su vestimenta y peinado se pueda decir algo más sobre quien se intenta representar, cuando lo averigüe seguramente lo publicaré.

La pieza está tallada en un solo bloque de marfil de morsa, incluida la base. El tallista, supo con gran maestría “disimular” las partes cristalinas en los detalles de la tela del kimono, igualmente, vista de cerca se puede distinguir en los pliegues posteriores de la sombrilla esas trazas que identifican el tipo de marfil.

La figura mide 14 cm. de la base a la parte superior de la sombrilla.

Firma, signature: Shinryou

Okimono: Figura femenina con sombrilla.

Una hermosa figura de una mujer con su kimono llevando una sombrilla. Tal como lo aclaré con la bijin de la colección Oñate, no sé si se trata de una geisha, una maiko o una geiko. Las posibilidades son varias y debo aun estudiar un poco sobre vestimenta y peinados para poder establecer a qué categoría pertenece esta representación.

Mientras tanto, una excelente talla que incluye un lujoso kimono que tiene figuras con apliques en oro y detalles minuciosos. Sólo puedo decir, que la figura representa una mujer soltera ya que según he leído las mangas anchas del kimono que obligan a plegarlas y llevarlas en la mano, eran usadas por las mujeres solteras; al casarse, las mujeres pasaban a usar kimonos de mangas menos anchas, quizá por practicidad ya que debían atender las tareas domésticas...

La figura mide 9 cm. de la cabeza a los pies y la sombrilla que se puede quitar, le agrega un par de centímetros a la altura total.

Firma, signature: Kouji

Netsuke - Okimono: Cacharrero o vendedor callejero.

Pues, presento aquí una muy bonita pieza, que en verdad y a pesar de estar hecha como un netsuke con sus correspondientes himotoshi, dada la forma y estilo es mas bien un Okimono.

La figura representa a un cacharrero o vendedor callejero, con su respectiva carga de objetos varios tales como muñecos Daruma, máscaras y hasta una tortuga. La pieza está finamente tallada, véase la calidad del rostro, y a pesar de tener algunos pequeños faltantes me he interesado en ella pues no es común, al menos por estas latitudes, encontrar tallas de esta calidad. Mide 7.5 cm de alto.

Firma, signature: Daishi

Creo que en eso de considerla mas un Okimono que un netsuke razón me da Ueda Reikichi, extractos de cuya obra (publicada en 1942 y posteriormente adaptada al inglés por Raymond Bushell), sigo agregando en traducción libre:

La apreciación del netsuke. (Tomado del libro de Ueda Reikichi, capítulo 10).

El netsuke no tiene una función propia excepto como una unidad en un conjunto. No es una forma de arte “libre”. En esto difiere sustancialmente del Okimono. La función del Okimono es solo brindar placer como un objeto decorativo o “ubicado” en un sitio.

Observado como un cubo, el netsuke es mirado y tallado en los seis lados. A diferencia del Okimono, es examinado en toda su superficie. A causa de su uso específico debe sujetarse a rígidas limitaciones. Por estas razones, el netsuke merece una especial apreciación como una forma de arte en miniatura.

Debido a que el netsuke está hecho para llevarse en la cadera, es necesario que su forma sea suave y libre de puntas, ángulos y partes que puedan enredar o romper la seda del kimono. Como objeto de uso, el netsuke no debe ser quebradizo ni frágil pero debe ser robusto y fuerte. Por ejemplo, el tallista que crea un netsuke con la forma de una rata, deberá diseñar la cola de manera que esta quede de alguna manera apoyada sobre el cuerpo. Si la cola sobresaliera, se podría quebrar o afectar a quien use el kimono. Una talla que es frágil o quebradiza no cumple con los requisitos esenciales de un buen netsuke. Ese tipo de talla debe ser considerada más bien como un adorno u Okimono. Todos los grandes artistas de netsuke, fueron cuidadosos de tallar piezas, suaves, robustas, libres de protuberancias y ángulos agudos.

Por otra parte, los netsuke pensados para ser usados con los delicados inro de laca, deben ser livianos en su peso y lisos en su contorno. Los metales, cerámicas y otros materiales pesados no son recomendables para netsuke a usar con inro. Los netsuke de marfil para usar con inro son generalmente libres de puntas, relativamente pequeños en tamaño y profundamente tallados de manera de minimizar su peso.

Quizá el punto más importante para tener presente cuando se aprecia un netsuke, es considerar los problemas que enfrentó el artista, quien debió crear un diseño interesante y a la vez observar las limitaciones que su uso imponía. El netsuke debe ser pequeño, suave, redondeado, liviano, libre de puntas y protuberancias. No debe ser frágil ni quebradizo. Cuanto mas difícil es la tarea de un artista que debe crear un diseño atractivo dentro de esas limitantes!

Otra limitación en la libertad de un artista de netsuke, es que debe hacer un par de agujeros (himotoshi) o crear un sitio para que pase la cuerda de la cual el sagemono es colgado. El Okimono no necesita prever una atadura, ya que permanece en la superficie plana donde es colocado. Por contraposición, el netsuke es atado al sagemono a través de una cuerda que debe pasar por él. El tema de cómo tallar los agujeros en el netsuke es de mayor importancia. En algunos casos no se hacen agujeros en la pieza, pero es tallada de tal manera que los agujeros naturales en ella son usados para pasar la cuerda. Por ejemplo, la postura de un animal en un netsuke podría brindar un espacio natural entre cuerpo y patas por donde pasar la cuerda. En algunos casos, los agujeros son del mismo tamaño, en otros casos un agujero es mayor que el otro para poder acomodar dentro el nudo producido al atar la cuerda. A veces, los agujeros en un netsuke de madera son reforzados por pequeñas hojas de marfil. Al hacer los agujeros se debe considerar que la cuerda pase bien y sin problemas por ellos, que el “puente” entre ellos sea bastante duradero y fuerte para resistir el peso del sagemono, que no estropeen la belleza del diseño y además que estén ubicados de tal manera que al usarse el netsuke sea la mejor parte la que quede expuesta a la vista.

Es obvio que el uso diario y el manejo del netsuke, produce cambios importantes a través del tiempo. Es bien sabido que los maestros talladores consideraron este desgaste a producirse con el uso de manera que sirviera para suavizar y refinar el diseño a medida que envejecía. Cuan perfecta era la comprensión y entendimiento de los maestros tallistas de la naturaleza esencial del netsuke!

Un netsuke debe ser pensado para que no sea incómodo ni molesto al usarse. Una forma de bola es insatisfactoria porque su continuo rodar es una molestia. La talla manju, una modificación de la talla bola, se probó como muy estable y confortable. Por razones de comodidad, los netsuke de metal eran huecos a fin de eliminar el peso del metal sólido.

Los artesanos que juntaban los desechos de marfil de las fábricas de samisén, utilizaron el marfil tacañamente sin desperdiciar nada. Como los cortes desechados eran mayormente triangulares, así fueron los netsuke terminados. Curiosamente la costumbre de tallar netsuke de marfil en forma triangular influenció las tallas en madera y muchas de ellas se hicieron también de esta forma a pesar de lo poco costoso de este material.

Para apreciar el netsuke, debemos también tomar en cuenta el estatus del tallista de netsuke que difería sustancialmente del pintor, del laqueador y otros artistas. Por ejemplo, el pintor era favorecido por el yogun o el daimyo que lo patrocinaba con una renta de tierras, o era recibido y mantenido en la corte. Nada de esto se aplicaba al tallista de netsuke. Confinado a una pobreza relativa, era, por otra parte, libre de las limitaciones impuestas por la tradición artística, libre de pedidos y órdenes de espónsores o superiores y no tenía miedo de perder sus patrocinadores o ser rechazado por la escuela de arte a la que pertenecía. Esta libertad, dada por la falta de limitantes económicos y sociales, produjo la interesante y casi infinita variedad temática de los netsuke.

Muchos secretos mecánicos y técnicos son a veces incorporados a los netsuke, un ejemplo es el netsuke panal, las numerosas larvas en los alveolos están sueltas de manera que el netsuke suene como un cascabel al moverse y sin embargo no se pueden quitar desde afuera. La mecánica de esas tallas eran secretos cuidadosamente guardados, la misma prudencia aplicaba a las técnicas para teñir el marfil, para la manera de tallar los agujeros, para imitar o simular diferentes materiales o tallar otros tipos de netsuke con movimientos incorporados.

………

Las firmas en pinturas y artículos para la ceremonia del té, o en las cajas que los contenían originalmente, son consideradas de vital importancia. El netsuke por otra parte, no se desmerece por la ausencia de un sello o firma. Una excepción se da en aquellos netsuke tallados por artistas que acostumbraban firmarlos. Dado que el netsuke es hecho para el uso diario, era raro que se los proveyera con cajas. Sin embargo, cajas eran a veces suministradas con los netsuke a ser usados por maestros en la ceremonia del té y sus devotos.

Muchos netsuke remarcables, no están firmados. Por esta razón las firmas falsas en los netsuke previos a la era Meiji son raras. Sin embargo, muchas falsificaciones con los nombres de antiguos tallistas de netsuke se pueden encontrar, especialmente de los que figuran en el Soken Kisho y de aquellos como los de la familia Deme que son ampliamente conocidos por el público general. Sin embargo y a pesar de esto, los casos de firmas falsas son menores que en otras áreas como la pintura, caligrafía y objetos para la ceremonia del té.

Después del período Meiji, se convirtió en práctica bastante común proveer junto al netsuke una caja firmada, y el valor del netsuke era disminuido si faltaba la caja original. El desarrollo de la exportación de netsuke llevó a un incremento en la falsificación de firmas famosas y una gran cantidad de netsuke con firmas falsas fueron exportados.

Al determinar la edad de un objeto, las diferentes indicaciones de uso son una buena guía. Es sin embargo bastante difícil determinar la edad de un netsuke solamente por los indicios de uso. A menudo, los netsuke muy finos no eran usados o lo eran muy poco, a pesar de ser hechos hace mucho tiempo y hechos para usarse. Muchos antiguos netsuke nunca fueron usados. Por otra parte, muchos relativamente recientes han sido usados de tal manera que guiarse por el uso en estos casos llevaría a conclusiones erróneas. Es por lo tanto importante, al apreciar un netsuke, considerar que es difícil establecer la edad de un netsuke no firmado.

Netsuke, Hotei y karako.

Un maravilloso netsuke representando a Hotei con un cuenco en la mano y acompañado por un karako que sostiene una tetera en actitud de servirle, ambos se encuentran descansando sobre el gran saco característico de Hotei.

El término karako se refiere a pequeños niños chinos como los que se representan en el arte japonés. Estos niños, o muñecos, visten conjuntos de ropa tradicional China y tienen la cabeza al descubierto a excepción de dos pequeños mechones de cabello. Es un motivo bastante común en diferentes artes y decoraciones japoneses. En muchas representaciones los siete dioses de la suerte aparecen acompañados de los karako, que parecerían tener en estos casos un rol de asistentes de estas deidades.

Hasta hoy, creo que es uno de los mejores netsuke que tengo, ya sea por la delicada talla y en este caso la pátina de la pieza así como las rajaduras me dan a pensar que debe ser bastante antigua. La falta de firma en una pieza de esta calidad me ilusiona y lleva a creer que debe haber sido tallada antes del auge exportador.

Mide 4 cm de alto por 4.5 cm. de ancho y 2 cm. de profundidad.

Sellos, firmas y anónimos…

Hace unos días me escribió Andrea, de Ecuador, preguntándome sobre la importancia de los sellos (rojos, negros y demás colores) y que vienen a significar y cual es el orden, por decirlo así, jerárquico de estos sellos…

Es común, al menos en Montevideo donde concurro a subastas, escuchar a un rematador resaltar la calidad de un marfil explicando con aire de gran entendido y voz casi reflejando codicia “miren que es sello rojo…”. Aparentemente según la costumbre de los martilleros uruguayos el sello rojo sería superior al negro en contradicción directa con las normas de dicha corporación que siempre ha preferido el negro al rojo, al menos en el Johnnie Walker.

Pero qué son esos sellos de los que generalmente quien vende se jacta? En realidad se trata en la mayor parte de los casos de firmas.

De los pocos libros que tengo, ninguno de ellos se refiere a este tipo de distinción ni mencionan o resaltan que la firma de una pieza esté en un color especial. A veces, como para facilitar la explicación, se dice que la firma está en un cartucho rojo, o blanco, de lacre o de nácar, insertado en la base o algún otro lugar. De todos modos, en los libros que traen muestras de firmas de diferentes autores las reproducciones fotográficas de las mismas nos indican que firmaron en diferentes tintas, diferentes métodos y para alegría de los coleccionistas de netsuke, hasta con diferentes nombres. A veces lo hicieron en una inclusión y otras directamente sobre la pieza, lo que nos lleva a pensar que el color de la firma no importa… Lo mismo sucede al recorrer vendedores de esos que saben mucho como Cristina Ortega en París quien aclara el color cuando la firma está en una inclusión pero no parece dar mayor importancia a un color sobre otro…

Sin embargo, es bueno tener una pieza firmada, pues el día que uno logra identificar al autor se facilita estimar la fecha en que fue hecha. Es un plus, algo con qué entretenernos y satisfacer la curiosidad sobre un objeto que nos gusta. Todo esto está bien si siempre tenemos presente que hay piezas que no están firmadas y son igualmente de una gran calidad. Es más, aquí podríamos intentar algún tipo de marketing a la inversa y exigir una sustancial rebaja basándonos en la ausencia de firma… Estoy seguro que si comenzamos a querer pagar menos por lo que no está firmado o no tiene el sello rojo, serán los vendedores los primeros en hacernos notar que lo importante es la calidad y no la firma…

Por otra parte, nos sucede toparnos con “sellos” y digo sellos y no firmas, colocados de manera ostentosa en la espalda de una pieza o en un lugar demasiado visible, al punto de vulgaridad. He visto estos sellos mayoritariamente en piezas de origen Chino, y sospecho que correspondían más a un deseo de los importadores occidentales que al de los tallistas chinos. Seguramente, para los compradores de la época, era más atractiva una figura que traía un exótico ideograma (mismo si solo quería decir “felicidades”) que ayudaba a trasportarlos al menos con la imaginación a lugares lejanos…

No confundirnos, a pesar de ser pocas hay firmas en algunas piezas chinas, pero las hay, y el rojo no es el color exclusivo, por otra parte creo haber visto igual número de firmas en negro que en rojo en ellas. Tenemos que tener presente que hay excelentes piezas chinas de fines del siglo XIX y principios del XX que no están firmadas. De ese período hay muy pocas firmas y es poco lo que se sabe.

Por lo dicho, yo creo que lo primordial es observar y mirar bien la pieza y la calidad con la que ha sido tallada, luego, si hay una firma que nos permita darle fecha, mejor. Y la firma por lo que he visto puede estar hecha sobre el marfil con tintas diferentes o inclusiones de diferentes colores sin que esto a mi entender, le de mayor o menor importancia…

Queda abierto este tema a quien desee opinar sobre el mismo.

Netsuke, testeador de huevos.

Un interesante netsuke que representa a un hombre sentado junto a una canasta conteniendo huevos. Un ojo cerrado mientras con el otro examina a contraluz un huevo que sostiene en su mano. Podría ser un testeador de huevos, oficio bastante evocado en okimonos y que parece era muy importante en Japón, o simplemente un paisano que se asegura de la calidad de la mercadería al llevarla para la venta… Esta pieza en marfil de elefante data aproximadamente de los años 1920. Un buen tallado y buen policromado en esta figura de 3.5 cm de alto.

Firma, signature: Gyokushou


La exportación de netsuke (tomado del libro de Ueda Reikichi, capítulo 12).

Para quien pueda interesar, presento en traducción libre un par de páginas del libro de Ueda Reikichi, donde trata los primeros pasos en la exportación de Netsuke.

En 1853, cuando las naves del Comodoro Perry anclaron en el puerto de Uraga, el Sr Mikawaya Kozaburo era el jefe encargado de estibadores del gobierno del Shogunato. Como tal fue designado para proveer las necesidades de los extranjeros en pequeños asuntos de intendencia.

En una época donde mismo artesanos como carpinteros, yeseros y otras personas comunes habían sucumbido a la moda de llevar una bolsa para tabaco colgada de su cinturón, Mikawaya Kozaburo no era la excepción. El lucía una costosa bolsa a la cual había agregado un muy bien tallado netsuke que representaba un grupo de máscaras.

Uno de los hombres que acompañaba al Comodoro Perry, fascinado por el netsuke de Kozaburo, le hizo gestos pidiéndole que se lo mostrara. En esa época, los japoneses nunca habían visto extranjeros y tenían un cierto temor de ellos. Kozaburo, mal interpretó el pedido del americano que quería ver el netsuke de cerca y con poco entusiasmo lo ofreció al extranjero, temiendo, que si no lo hacía este podría matarlo.

El americano, ante lo que creyó un acto de generosidad y simpatía de parte de Kozaburo, le retribuyó con objetos americanos desconocidos en Japón. Kozaburo contó este incidente a sus compañeros de trabajo y la historia llegó a oídos de las autoridades que considerando que Kozaburo había actuado a espaldas del gobierno del shogunato comerciando con los extranjeros, lo pusieron en prisión. No sirvieron de nada las explicaciones de Kozaburo sobre su miedo que motivó este primer acto comercial entre Japón y Estados Unidos ni sus afirmaciones de que no había intentado con ello ofender al Shogun.

Cuando se enteró de lo sucedido, el americano tuvo pena por lo que ocurrió a Kozaburo y explicó la situación a los oficiales de la delegación americana, quienes pidieron y lograron la liberación de Kozaburo. Tiempo después, Kozaburo se encontró con el americano y además de agradecerle por su liberación, lo invitó a cenar en su casa. Durante la cena, el americano le comentó que el netsuke había despertado gran admiración y asombro en muchos de sus compañeros marineros y preguntó a Kozaburo si sería posible adquirirlos en grandes cantidades. Kozaburo respondió que teniendo los fondos adecuados sería posible. Esta conversación fue el nacimiento del comercio internacional de netsuke.

Kozaburo se dedicó entonces a comprar netsuke con los fondos suministrados por su socio americano, los empacaba en cajones de naranjas y los despachaba al puerto de Kanagawa. De esta manera fueron exportados los primeros netsuke a occidente.

Mas tarde, Kozaburo fundó una compañía llamada Sanko Shokai en el distrito de Kanda en Tokio, especializada en la exportación y trasporte de diferentes objetos de arte incluido los okimono y obviamente los netsuke. Mientras se dedicó al comercio, Kozaburo hizo un gran esfuerzo por satisfacer la demanda de sus clientes, tengo entendido que entre otros, encargó al gran escultor Koun Takamura una importante cantidad de okimono para exportar. Kozaburo murió en 1889 a la edad de 67 años.

Okimono: laqueador o pintor de cacharros.

Un bonito okimono parecido al anterior y por tal razón lo he puesto aquí para que se pueda comparar y apreciar el incipiente intento de trabajo en serie en la producción de estas tallas. Podemos ver que hay módulos que son muy parecidos a los que adornan al intérprete de samisén en la entrada anterior. No hay firma si bien también está presente la figura del monte Fuji en la caja a la izquierda de la talla, al igual que en la figura anterior, no sé si será un distintivo de un taller o simplemente un adorno…

Le puse “laqueador” pues consultados algunos alfareros no reconocieron su oficio en él. Tampoco estoy seguro que esté dando laca a algo, y parece difícil que lo haga a una botella, de todos modos el buen hombre está con un pincel en la mano y hay uno de los módulos que soporta un porta pinceles así como algún tipo de tinta. Imagino que en la producción de estas piezas, se buscaba diferenciar claramente los objetos que están en la mano de la figura, luego habría alguno de los módulos que tenían cosas relacionadas con la actividad evocada y finalmente los demás serían estándares y se repetían en las diferentes figuras.

La figura, está bien tallada, se puede desarmar en varias piezas tal como la anterior y seguramente le falta alguno de esos módulos pues es evidente el agujero en la parte delantera donde se ve que falta algo. Igualmente es un bonito trabajo dentro de lo que parece ser una serie describiendo oficios o escenas de la vida diaria del Japón de principios del siglo XX, fecha a la que creo, corresponde la pieza…

Mide 4 cm de alto y el ancho es de 7 cm.

Okimono: Intérprete de Samisén.

Dentro de lo que podríamos llamar “los oficios” un interesante okimono representando a un intérprete de Shamisen que sostiene al instrumento en una mano (que tiene movimiento) y la púa en la otra mano.

Lo interesante de estos okimono, es la cantidad de piezas que los componen. Cuando desarmé este para poder limpiarlo (y quitarle los restos de pegamento que generaciones sucesivas le habían puesto a fin de evitar pérdidas), pude contar 9 piezas y estoy seguro que falta alguna pues queda sobre un lado un orificio donde encajaba alguna otra.

Creo que estos okimono, que se asemejan a los ladrillos “lego” dan la impresión de haber sido hechos en serie y la técnica de “fabricación” empleada nos hace pensar que deben corresponder al período exportador de principios del siglo XX.

Una bonita pieza, representando una actividad tradicional de Japón y tallada con esmero. Tanto las piezas móviles como la figura en sí misma están muy bien logradas. No hay firma, pero conviene resaltar la pequeña caja sobre la derecha de la foto donde hay un dibujo de una montaña, que imagino debe ser el Fuji-san que he visto representada en otras tallas similares a esta. También incluyo una foto tomada cuando desarmé la pieza donde se aprecian algunas de las partes sin armar. Las medidas, 4 cm. de alto por un ancho de 6.5 cm.

El shamisen o samisén:

Es un instrumento musical que posee tres cuerdas y se toca con una púa de carey o marfil. El shamisen posee un largo similar a una guitarra, pero su cuello es más delgado. Su cuerpo rectangular se asemeja a un tambor, para su construcción se ha empleado tradicionalmente madera; pieles de víbora, gato o perro; caparazón de tortuga y marfil. Las tres cuerdas eran hechas tradicionalmente de seda.

Es un instrumento que fue muy popular durante los períodos Edo y Meiji y sigue siéndolo en nuestros días ya que es imprescindible para interpretar la música tradicional japonesa. Mismo muchos músicos lo han adaptado a estilos modernos y su práctica sigue muy viva en Japón

En la mayoría de los géneros el shamisen se toca con una gran púa llamada “bachi”, que tradicionalmente se hizo con marfil o carey, pero que ahora generalmente es de madera, y que tiene una forma parecida a una hoja de ginkgo.

Durante el período Edo, el uso de marfil para construir el shamisen, produjo pequeños sobrantes que, por su pequeño tamaño, ya no eran aptos para hacer otras piezas de shamisen. Estos pequeños trozos de marfil, fueron utilizados por los artesanos de netsuke quienes siempre estaban a la búsqueda de nuevos materiales para tallar y experimentar con ellos. Fue entonces la existencia de este sobrante lo que estuvo al origen de la introducción y posterior popularidad del marfil como un elemento más en la talla de netsuke.

Okimono: Campesino con azada.

Un interesante Okimono que presenta a un campesino con una azada y una cesta a sus pies. La pieza parece tallada en un solo bloque de marfil a no ser por la azada que es móvil y se puede quitar. A pesar de ser relativamente pequeña, 8.5 cm. de alto (más unos 2 cm. de base), tiene interesantes detalles de tallado, tanto en las vestimentas como en la armonía del volumen logrado. Posee una base de madera tallada en la forma de la pieza, esta base, se ve que ha sido pegada a otra para darle un poco mas de altura al okimono. Da la impresión de ser una talla del período Meiji algo que es reforzado por lo interesante del rostro que se aparta de los modelos usuales.

Los períodos ó Eras en Japón:

Muchas veces nos referimos a período Edo, o Meiji u otro. Para tener una idea de a qué fechas corresponden dichos períodos, pongo una pequeña lista que comienzo en el período Edo, ya que no creo que necesitemos los anteriores para las tallas que podamos conseguir...

Edo: (1603 - 1868) El período Edo comprende la historia de Japón de 1603 a 1868, durante el gobierno del shogunato que fue establecido en 1603 por el primer shogun Ieyasu Tokugawa. El periodo Edo finalizó en 1868 con la restauración del gobierno imperial por parte del 15º y último shogun Yoshinobu Tokugawa.

Meiji: (1868-1912) La era Meiji cubre los 45 años de reinado del emperador Meiji, 1868 hasta 1912. Durante este periodo, Japón comenzó a modernizarse, convirtiéndose en una potencia de nivel mundial. Meiji significa "Era de aceptación a las reglas."

Taisho: (1912 - 1926) Yoshihito el emperador Taisho fue el hijo sobreviviente del emperador Meiji se casó con Sadako, hija del príncipe Mitchitaka, de los cuales el mayor, Hiroito, sería el siguiente emperador.

Showa: (1926 - 1989) Hirohito el Emperador Showa reinó en Japón desde 1926 hasta 1989. Se casó con la princesa Kuni Nagako, la hija del príncipe Kuni Kuniyoshi. Tuvieron siete hijos, entre ellos Akihito, quien llegaría a ser el siguiente emperador.

Heisei: (1989- ) Heisei es el nombre de la era actual de Japón. El nombre fue introducido por Akihito, el actual emperador de Japón, tras la muerte de su padre, Hirohito, el emperador Shōwa, en 1989.

Netsuke: Okame llevando un brasero con alimentos.

Uzume, también llamada Okame, es la divinidad de la alegría y el buen humor. Como divinidad ayudó a los dioses a sacar a Amaterasu (la Diosa Sol) de la caverna de Iwayado donde se había refugiado sumiendo a la Tierra en la oscuridad.
Es representada en el arte japonés como una persona eternamente sonriente, regordeta, mofletuda, con una pequeña boca y una amplia frente con dos manchas negras a uno y otro lado y con el cabello recogido en dos mechones sobre las sienes, y a veces con las piernas que se le doblan a causa de su propio peso.
El aspecto de su cara varía un poco cuando está representada en forma de netsuke o máscara de teatro noh o de danza kagura, pero su expresión cachetuda y un tanto burlona nunca falta. Aquí está representada llevando un recipiente o cacerola con arroz sobre un brasero Shichirin.

Probablemente hecha en la primera década del siglo XX sobre el fin de la era Meiji. La figura, tallada en marfil de elefante, se encuentra firmada por el artista en una inclusión ubicada en la base de la pieza. Los detalles y terminación son bastantes precisos y posee una buena coloración, mide 4 cm. de alto. Si consideramos la época en la que fue hecho, este netsuke no debe haber sido usado como netsuke, su estado de conservación es muy bueno y el color se mantiene sin aparecer zonas con mayor desgaste que indiquen algún tipo de roce provocado por el uso.

Firma, signature: Tomochika

El Shichirin y el Hibachi:

El Shichirin es una estufa o brasero de cocina, ligera, compacta y fácil de mover. Consiste básicamente en un recipiente con una reja en la parte superior, dentro del mismo se quema carbón que es atizado por el aire que pasa a través de unos agujeros que se encuentran en los lados del brasero y que pueden ser regulados. Existe desde tiempos antiguos, teniendo el shichirin actual más o menos las mismas características de los que se fabricaban durante el periodo Edo. Antiguamente los Shichirin eran hechos principalmente en cerámica. Hoy día se construyen con diferentes materiales. También hay shichirin con una doble estructura de cerámica interior y exterior llamados Mikawa konro. La forma puede ser cilíndrica, cuadrada o rectangular, y el tamaño también varía. Se hace todo tipo de shichirin para diferentes y variados usos.

El hibachi es en Japón un brasero que se usaba principalmente para la calefacción y no para la cocina, sin embargo en los Estados Unidos, se conoce como hibachi a pequeños braseros parecidos al shichirin y en muchos casos fabricados en hierro fundido. Se piensa que estos artefactos fueron comercializados como hibachi cuando se introdujeron en los Estados Unidos debido a que palabra era más fácil de pronunciar en inglés. La palabra hibachi también se usa en América del Norte para referirse a una placa de hierro caliente (teppan) utilizada en los restaurantes de Teppanyaki.

Dije o colgante en marfil, Japón.

Un pequeño y muy bien tallado dije o colgante de marfil. Tengo mis dudas que siempre haya cumplido esa función pues lo tosco del engarce no cuadra con lo delicado de la talla. Esta pequeña pieza de 2.5 cm de alto, representa a un joven llevando una tortuga. La tortuga es un animal de buenos auspicios en Japón además de representar la longevidad y estar asociada a Fukurokujo, uno de los siete dioses de la suerte. Podría se también una evocación de la leyenda de Urashima.

La Leyenda de Urashima

Urashima vivió, hace cientos de años, siendo el único hijo de un matrimonio de pescadores. Una red y una pequeña barca era toda la riqueza de la pobre familia que sin embargo era gratificada por el cariño y bondad de su hijo.
Un día, iba el joven pescador caminando cerca de la playa cuando vio a un grupo de niños maltratando a una tortuga que había quedado atrapada en viejos trozos de redes, al ver la escena, fue dominado por un gran sentimiento de piedad hacia la tortuga y reprendió a los niños por su accionar. Como la bondad de Urashima era conocida entre los habitantes del pueblo, los niños dejaron a la tortuga en paz y se fueron a continuar sus juegos en otro sitio. Entonces, el joven tomó a la tortuga en sus manos, se acercó al mar y suavemente la depositó donde rompen las olas observando como se alejaba perdiéndose de vista.

Pasado un tiempo de este incidente, nuestro héroe se encontraba pescando cuando un viento lo alejó de la costa al punto de perderla de vista. Fue entonces que se apareció la tortuga que él había echado al mar, la cual, dirigiéndose a él, se transformó en la hermosa princesa Otohime hija del emperador del mar y le invitó al palacio en Riugú, la ciudad bajo el mar, donde vive el dragón dios del mar quien dio a Urashima el poder de respirar en el agua. Con la princesa vivieron como esposos en la ciudad del reino del mar. Pasaron varios días y entre tantas maravillas y su amor por la princesa Otohime, Urashima no sintió que el tiempo pasara.
Sin embargo, un día recordó a sus padres y lo ganó la inquietud por saber sobre ellos y por poder comunicarles de su nueva vida para que no sufrieran su ausencia. Una mañana se lo dijo a su esposa. La princesa procuró convencerle de que se quedara junto a ella, pero nada logró. Finalmente y con gran tristeza, la princesa lo acompaño hasta la playa y al despedirse entregó a Urashima una pequeña caja de nácar y le advirtió que, si quería volver a verla, nunca la abriese, dicho esto, se despidió y se internó en el mar.
Cuando Urashima la perdió de vista, se dirigió hacia su casa, pero no fue capaz de encontrarla. La aldea se encontraba cambiada y no parecía ser la misma donde el pescador había nacido y se había criado. Sin embargo, el lugar, la playa y las montañas no habían cambiado, sólo la gente y las casas…
Preguntó a unos niños que por ahí pasaban sobre la casa de sus padres, pero estos dijeron que nunca habían oído hablar de ellos. Entró en los comercios del pueblo haciendo las mismas preguntas y obteniendo la misma respuesta, fue entonces que comenzó a comprender que mientras para él pasaban días en el reino del mar, en la tierra eran años, y que así había pasado más de un siglo.
Decidió entonces volver con la princesa Otohime, pero descubrió que había olvidado preguntarle como hacer para regresar. Desconcertado, se dirigió a la playa, las noticias y el asombro sumados a su remordimiento, tanto por la tristeza de sus padres que murieron creyéndolo muerto, como por haber dejado a la princesa lo marearon y para no caer sin fuerzas, se sentó en la arena mirando el mar, el mismo horizonte donde Otohime había desaparecido… En ese estado de ánimo recordó la caja que tenía entre sus manos pero olvidándose que no debía abrirla, pensó que, haciéndolo, quizá pudiera ir junto a Otohime.
Al abrirla, una nube salió de la caja y se perdió en el cielo, al mirar como se perdía la nube, recordó la recomendación de no abrir la caja y comprendió que ya no volvería a ver a la princesa, simultáneamente, sintió que sus fuerzas le abandonaban, sus cabellos encanecían, su piel se arrugaba y su corazón dejó de latir. La mañana siguiente unos niños vieron tendido en la arena a un hombre decrépito, sin vida. Era Urashima que había muerto de viejo…

Figuras africanas talladas en Marfil

Las he puesto como figuras africanas pues no se me ocurre de donde mas podrían provenir, se trata de tres pequeñas tallas de 5 cm la mayor y 4.5 cm. las otras dos.

No tengo conocimiento ni literatura sobre este tipo de trabajos, así que si entre quienes me leen, alguien pudiera aportar algún tipo de información será bienvenida y apreciada. Las líneas de la veta de marfil se pueden ver claramente en las fotos.

Quien me las vendió aseguró que estaban en poder de su familia desde mucho tiempo... Me inclino a creerle pues no se parecen a los trabajos africanos traídos de forma ilegal y que se ven actualmente en algunos sitios de venta on-line.

Bueno, como piezas, el estilo que podríamos llamar "naif" ejerce un cierto encanto que nos lleva al menos a sonreir pensando en alguien a quien podríamos achacarle un parecido...

Figura de marfil. India.

Una delicada talla India. Representa a una figura femenina que sostiene algo parecido a esos espantamoscas que se hacían con la forma de cola de animal...

Lamentablemente, no es mucho el material que tengo sobre los marfiles de la India, así que no puedo decir si la representación es uno de esos dioses del Hinduismo, quienes a pesar de ser de género masculino, son representados con formas femeninas...

Por otra parte, también podría ser una pieza de un juego de ajedréz. No será la primera vez que veo como se potencia el rendimiento de un juego de ajedréz en marfil, vendiendo las piezas por separado.

Si alguien puede aportar algo sobre esta figura, sus comentarios serán bienvenidos.

Sea lo que sea, es una talla muy bonita y hecha con mucho detalle. Mide 7.5 cm. de alto.

Netsuke en marfil. Hombre con cesta. Japón

Un muy pequeño netsuke, mide 2 cm. de alto por 3 cm de largo siendo su profundidad de apenas 1.5 cm. Representa a un hombre con una gran cesta, tema bastante común y reiterado en los netsuke por lo que veo, ya que en un lapso de tiempo bastante corto es el segundo que encuentro con esta representación. Esta pieza, firmada en la base, podría ser de la década del 20. Aquí volvemos al asunto de la autenticidad de los netsuke. Si sabemos que ya a fines del siglo XIX se había repandido el uso de vestimentas con bolsillos, y que la bolsa de tabaco el otro gran uso de los netsukes había ido dejándose de lado pues mucha gente prefería fumar cigarrillos hechos, quizá este netsuke no corresponde a lo que debería ser una pieza de colección para quien quiera juntar netsuke que alguna vez fueron usados como tales... Por otra parte, es marfil, es japonés y es una talla bastante bonita y como la he pagado menos que lo que vale un netsuke de Hong Kong de esos que hacen ahora, me doy por satisfecho y como dije en otra entrada, mientras uno no sea "EL" gran experto en netsukes, si son de marfil, bonitos y a un precio razonable es casi seguro que no nos estamos equivocando.

Firma, signature: Masayuki

Netsuke: Hombre y Tanuki

Un netsuke tallado en marfil y representando a un hombre de pie con una bolsa o envoltorio en sus manos mientras un tanuki lo observa. No parece una figura muy antigua, tampoco de gran calidad, probablemente se trata de una pieza de los años 30 mas bien dirigida a la exportación. Sin embargo me interesó por la presencia del Tanuki.

La figura está firmada y mide 5 cm de alto.

Firma, signature: Tamamitsu

El Tanuki: es una especie de mapache originario del Japón llamado también perro mapache. Forma parte del folclore japonés desde los tiempos antiguos. En la leyenda, el tanuki tiene reputación de pícaro, travieso y de ser un maestro del disfraz, pudiendo tomar diferentes formas entre ellas la humana. Existen representaciones de Tanuki en el entorno de muchos templos así como en comercios, particularmente aquellos que venden fideos.  El Tanuki posee un escroto desproporcionado para su cuerpo, razón por la cual en las representaciones antiguas se ha hecho exageración y broma del tamaño del mismo y es presentado con un escroto que le sirve de tambor. Eso no sucede en las representaciones modernas donde a lo sumo se le representa con un enorme estómago que le sirve de tambor.

Fue durante las eras Kamakura y Muromachi, que surgieron algunas historias sobre Tanuki en las que se les adjudica acciones mas siniestras. Tal es el caso de la historia de Otogizoshi sobre un Tanuki que mata a palos a un vieja señora y se la sirve al marido en forma de sopa llamando al plato “Sopa Vieja Dama” un giro algo retorcido e irónico que hace referencia a la receta conocida como “Sopa de Tanuki” (en la cocina tradicional japonesa existen varios platos que incluyen carne de Tanuki). Otras leyendas nos hablan de Tanuki que habiendo tomado forma humana llevaron una vida normal y provechosa para la sociedad. Existen leyendas sobre varios santuarios donde se dice que los monjes que originalmente los fundaron fueron Tanuki que habían adoptado forma humana.

Netsuke en marfil. Hombre con tablas o instrumento de percusión.

Un pequeño netsuke representando a un hombre que sostiene algo así como tablas o quizá un instrumento de percusión. La pieza parece mas bien del tipo de las que en su momento fueron hechas para la exportación. Sin embargo no deja de ser una pequeña obra bastante bien lograda en general. La figura mide 2.5 cm en su parte mas alta por un ancho de 3 cm.

Firma, signature: Kazuyuki; Isshi

Figura femenina en marfil, también llamadas Lady Doctor...

Pues acá nos encontramos con una idea muy difundida por los anticuarios y que puede que sea hasta cierto punto verdad, que en épocas antiguas, estas figuras eran utilizadas por las damas chinas para señalar a los médicos varones, el sitio de sus dolores y evitar así tanto la mirada como el toqueteo, algo que se consideraba "impropio" en esa época...
Pues tras buscar bastante sobre el tema, he podido averiguar, que algunas de estas figuras se remontan a la eras Ming y Qing, donde quizá eran usadas con el propósito de diagnóstico médico. Hay quienes sostienen que, en algunas casas adineradas se poseía una de ellas al uso de las mujeres del hogar, y en otros casos era el mismo galeno (muchos de ellos ambulantes) quien llevaba una, para facilitar así la consulta.

Todo se desvirtúa un poco cuando la producción de estas figuras aumenta a fines del siglo XIX y a principios del XX. Esto coincide con el incremento de la exportación de objetos hacia occidente, y si consideramos que en la Europa de esa época ni siquiera a la vieja, gorda y traumada Victoria Regina se le ocurrió el uso de "Ladies Doctor" para evitar repugnantes contactos, todo nos deja suponer que la supuesta finalidad de las figuras sirvió de excusa, para que algunos compradores se atrevieran a poseerlas. Para la época, debe haber sido mas "políticamente correcto" tener una curiosa estatuilla de las que usaban los médicos para diagnosticar, que simplemente poseer la figura de una china desnuda...

Si consideramos que hoy día las siguen tallando en Hong Kong y China, tanto en mamut como en hipopótamo y no conociendo que lo hagan para el mercado Saudí, la idea que la función servía y aun sirve de excusa adquiere mayor valor.

Bien, la figura que tengo y cuyas fotos incluyo, está bastante vestida en comparación a lo que se ve generalmente, está tallada en una sola pieza de marfil de elefante y mide 11 cm de largo. En la parte donde se encuentra la cabeza mide 5 cm. de ancho y se va reduciendo hasta medir 3 cm donde están sus pies. La base, hecha a la medida para la pieza, mide 12 cm de largo y tiene una altura de 3 cm. Esta figura se encuentra en un tipo de lecho, la cabeza apoyada sobre algo como una almohada y hay hasta un tallado que imita sábanas o telas habiéndose aprovechado muy bien la forma del colmillo para lograrlo. Se encuentra rodeada de flores de peonía, que representan la belleza en la simbología China de las flores.

Esto es la información que tengo sobre este tema, si alguien desea participar, queda abierto a futuras contribuciones.

Okimono en marfil. Pescador con Cormoranes.

Un bonito Okimono representando a un pescador con un par de cormoranes, uno de los cuales aun sostiene un pescado. La figura está tallada con mucha delicadeza y detalle. Básicamente hecha en un solo bloque de marfil, solamente la cesta que el pescador lleva a la cintura está hecha separadamente. La expresión del pescador nos deja pesar en un tallista con gran dominio de su arte. La figura mide 18 cm de alto.

Firma, signature: Yamayoshi

La pesca con Cormoran:

Los cormoranes son aves de tamaño mediano que se alimentan de peces, tanto de agua dulce como salada. Para capturar a sus presas no se lanzan desde el aire, sino que bucean desde la superficie. Lo hacen con tanta destreza que han sido domesticados para pescar. Japón y China son los únicos lugares donde aun tiene lugar esta antigua práctica. La pesca con cormorán se conoce con el nombre de ukai. Las aves se capturan salvajes y se domestican. Durante las noches de la estación de pesca, los pescadores hacen fuegos que atraen a los peces, los cormoranes son puestos en el agua y rápidamente capturan a los peces que pueden pesar tanto como el mismo cormorán. Cuando han capturado el pescado, suben a la superficie. Para evitar que lo traguen, los pescadores les colocan una anilla de metal en el cuello, llamada kubiyui. La anilla es lo suficientemente ancha para que puedan tragar las piezas pequeñas y no morir de hambre. Los Cormoranes se hallan sujetos por una cuerda que está trenzada de tal manera que el pescador pueda liberar al ave si esta se enredara bajo el agua, evitando así que el cormorán se ahogue. Cada pescador puede controlar hasta 14 aves.

Caja o pastillero tallado en marfil. China.

Una muy bonita caja tallada con mucho esmero, en la que se ven dragones entrelazados y aves fénix con detalles que muestran un trabajo minucioso. La forma irregular, medio ovalada, le aporta un mayor encanto. Hay una muy pequeña restauración en la tapa. Las medidas, con la tapa puesta, son 5cm de alto, 6 cm de ancho y 4.5 cm de profundidad.

El Dragón y el Fénix:

El dragón y el fénix son criaturas sobrenaturales y auspiciosas en China, y sus orígenes pueden remontarse a las antiguas leyendas de ese país. A lo largo del curso de la historia dinástica de China, ambos animales imaginarios se han destacado en la literatura, el arte y las tradiciones folclóricas. En la antigüedad, el dragón y el fénix eran importantes imágenes totémicas. Estas antiguas representaciones de los clanes fueron gradualmente transformadas en símbolos auspiciosos y posteriormente fueron utilizados para representar a virtuosos monarcas. Esto último se debe al hecho de que desde la dinastía Chin (221-206 a. de C.) cuando el Primer Emperador de China se proclamó a sí mismo descendiente del dragón, casi todos los gobernantes eran denominados como "el verdadero dragón, hijo del cielo". Por lo tanto, el dragón se convirtió en un símbolo del gobernante, mientras que el fénix encarnó a su pareja. Las formas de dragón y fénix gradualmente fueron transformadas en imágenes asociadas con la corte, representando la nobleza y la autoridad imperial. Casi todo lo relacionado a la corte, desde las decoraciones en la arquitectura palaciega hasta las insignias en los objetos y las vestimentas diarias, era adornado con imágenes y patrones de dragones y fénix imperiales.

Además, en China el dragón y el fénix, junto con el chilin (unicornio) y la tortuga, fueron conocidos como los "cuatro espíritus sobrenaturales". Según registros antiguos, el dragón aparecía en una variedad mágica de formas. Podía ser largo o corto, pequeño o gigantesco. Podía ser reservado y a la vez activo, y también podía vivir en todas partes: desde las alturas hasta las profundidades. Viajando entre el cielo y la Tierra, los dragones eran considerados montañas de deidades celestiales. También tenían el poder de controlar la lluvia. En las épocas de sequía, los dragones podían traer agua, y en tiempos de inundaciones, podían detener las lluvias y aclarar los cielos.
El fénix fue comúnmente conocido como el "rey de las aves". Siendo un ave sobrenatural, encarnaba las cinco virtudes de benevolencia, rectitud, decoro, sabiduría y sinceridad. Como tal, no hacía daño a ningún insecto ni a una hoja de hierba. Se posaba sólo en el árbol de firmiana más exquisito, comiendo y tomando nada más que semillas de bambú y agua de manantial.

Por lo tanto, la aparición de un dragón y un fénix era considerada una señal extremadamente auspiciosa; significaba el inicio de un período de paz y prosperidad para el pueblo y el país. Así mismo, el fénix y el dragón frecuentemente eran representados juntos como un símbolo auspicioso de la unión de los elementos masculino (dragón) y femenino (fénix).

Esta unión todavía se refleja en la sociedad china actual, en la cual es común referirse a la pareja del dragón y el fénix en el contexto de las ceremonias matrimoniales, colgándose sus imágenes sobre la mesa en donde se sientan los novios para simbolizar su unión.

A quien esto interesó, lo he tomado de http://asia-religion.blogspot.com/ donde se encuentra muy buena y amplia información sobre las religiones de Asia.

Rosario de marfil.

Un antiguo Rosario en perfecto estado. A mi entender, o al menos filosóficamente es un trabajo europeo.

El rosario en su extensión de la parte inferior de la cruz a la quinta cuenta de la tercera decena, mide 68 cm. El crucifijo con el Cristo en marfil, mide 8 cm por 4 cm. La medalla está tallada en forma de corazón y de un lado representa rosas y del otro una flor diferente que no me doy cuenta muy bien cual es. Mide en su parte mas ancha a la horizontal 2.5 cm y a la vertical 3 cm. si tomamos los aros que la sujetan dentro de la medida. Las decenas o décadas, son lisas y tienen un diámetro de 1 cm. Las cuentas que separan las decenas, (en total 6) que son para rezar el padrenuestro, están talladas en forma de rosas y tienen un diámetro de 1.2 cm.

Como aclaré al inicio, considero que al menos de forma filosófica, corresponde a un trabajo europeo. Por otra parte, podría ser algo hecho en oriente para el mercado europeo o latinoamericano. A los amigos españoles y mexicanos que nos leen y están mas familiarizados con las tallas hechas en oriente para estas zonas, se les agradecerán sus comentarios.


El Rosario (del latín, corona de rosas):
Aunque ya existía la costumbre de repetir avemarías en número variable, fue en el s XII cuando se fijó el número de 150, equivalente al de los salmos, para acompañar a los monjes mientras ellos recitaban los salmos del oficio divino. Ya en el siglo XIII, los cistercienses hacen tres grupos de 50 avemarías. En ese mismo siglo se aparece la Virgen a Santo Domingo de Guzmán, le entrega el rosario y le impulsa a difundirlo por el mundo. Santo Domingo cumplió este encargo.

En el siglo XIV los cartujos intercalan el padrenuestro y meditan distintos momentos de la vida del Señor. Añaden "Jesús" al avemaría.

En el siglo XV el Beato Alano de Rupe (1428-1475), dominico, unificó los elementos del Rosario y le dio forma definitiva. Eligió el nombre de los quince misterios y fundó las cofradías del Rosario. Otros dominicos colaboraron. En esos años se añaden las letanías y se completa el avemaría añadiendo la parte final. Los Papas aprueban el Rosario (Sixto IV en 1479), y le otorgan indulgencias (Inocencio VIII en 1485).

En el siglo XVI los dominicos propagan el Rosario en la América recién descubierta. Pronto adquirió gran popularidad. En 1569 San Pío V estableció oficialmente la forma de rezar el Rosario que se ha mantenido hasta ahora.

En 1571 los turcos, asolaban los pueblos cristianos asesinando, robando y tomando numerosos cautivos. Para poner fin a esta situación, se organizó una flota que se enfrentó a la armada turca -más numerosa- en el golfo de Lepanto. Esta famosa batalla supuso un gran alivio para los cristianos, que atribuyeron la victoria a la intercesión de la Santísima Virgen invocada en todas partes con el Rosario. El mismo Papa San Pío V participaba en una procesión rezando el Rosario por este motivo, cuando milagrosamente conoció y anunció la victoria. Después, añadió a las letanías "Auxilio de los cristianos", e instituyó la fiesta de Nª Sª de la Victoria, que más tarde pasó a llamarse Nª Sª del Rosario. Y el Rosario se propagó intensamente.

Le goupil est mort... Marfil europeo.

Sobre un corte ovalado de un colmillo que mide 7.6 cm. por 6 cm. en sus partes mas anchas, se encuentran tres perros Dachshund y un zorro muerto o (para quienes conocemos y queremos a los zorros esperamos que...) haciéndose el muerto. Cada animal está, sujeto por un perno que permite que gire unos milímetros hacia cada lado.

Este trabajo lo considero europeo, y así lo voy a etiquetar a menos que algún lector me corrija sobre este asunto.

De goupil a renard…

En el folklore de Alsacia y Lorena, se origina la leyenda y romance de Reinhard le goupil, Reinhard siendo un nombre propio y goupil queriendo decir zorro en francés. En 1175, Pierre de Saint Cloud, publica una recopilación de estas leyendas bajo el nombre de Renart le goupil. Ya el nombre germánico alsaciano Reinhard es “suavizado”.

Faltando aun 300 años para la invención de la prensa, estos escritos se realizaban en pergamino y por copistas que a veces se tomaban libertades con el texto agregando o quitando partes. Algo común a los otros dos grandes Romances de la época, el de la Rosa y las aventuras del Rey Arturo. Durante 3 siglos entonces, según el lugar, y la mayor o menor imaginación de quien copiaba los textos, estos variaban y se les llegaba a agregar capítulos enteros. Es casi un detalle que el título del romance haya ido cambiando el nombre y de “Renart” pasó a “Renard” que es la palabra actual usada en Francia para decir zorro. Mismo Lafontaine, tan afecto al uso de nombres rescatados del olvido, utiliza muy poco en sus fábulas el término goupil y jamás en un título. Va cayendo entonces el viejo término en el olvido, y ya no hay libros modernos que lo evoquen y en las ciudades de Francia es seguro que sea desconocido para la mayoría de sus habitantes… Es así como un término suplanta a otro a pesar de que afortunadamente en algunas zonas rurales de Francia, particularmente en mi querido Quercy, he escuchado utilizar la vieja palabra con naturalidad, algo que imagino enlentecerá un poco su camino al olvido…

Caracol de marfil

Un interesante y hermoso caracol tallado en marfil. Con él inauguro la etiqueta "origen no determinado", que aplicaré a aquellas piezas sobre las cuales no tengo muy claro la procedencia y que por su característica tampoco logro atribuirle una. Estas entradas son también un pedido de ayuda a quienes nos lean y quizá puedan aportar su opinión o conocimiento sobre alguna pieza de manera que podamos establecer su origen. El caracol, mide 7 cm. de largo, por 3 cm de alto en su parte mas alta, tiene un ancho de 2.5 cm.

Pastillero en marfil y plata.

Un bonito pastillero hecho con dos placas de marfil rodeadas por un buen trabajo de plata labrada. La coloco como origen no identificado mismo si la plata además del punzón del título tiene otro que podría darnos una idea sobre su procedencia, quizá cuando consiga un ejemplar de Tardy sobre los punzones de plata, buscaré a fin de poder establecer el origen que sospecho sea europeo, ya que los japoneses no hubieran dejado sin pintar el marfil.

Las medidas son de 4 cm. de largo por 3 cm de profundidad y apenas 1.2 cm de alto.

Netsuke, Colección Oñate (11)

Y ahora un netsuke, algo que no debería asombrarnos de encontrar entre las piezas de quien colecciona okimonos, pues sabemos que el okimono deriva de los escultores de netsuke.

La pieza da la impresión de ser una caja para un grillo, tiene una compuerta que se abre y un sello en la base, mide menos de 3 cm y en la base apenas 2 cm.

Y con esas medidas en mente recomiendo que se amplíe la foto y aprecien los detalles como el cabello y la vestimenta.

Firma, signature: Seigetsu

Okimono, Ebisu, Colección Oñate (10)

Ebisu es uno de los 7 dioses de la suerte en Japón y también de los pescadores. Suele representarse con un pescado en la mano izquierda y una caña de pescar en la derecha, aunque esto último puede variar. Los japoneses, amantes del pescado, suelen tener como Dios de la suerte favorito a Ebisu. En esta figura se lo representa montado sobre el pez.

Es interesante observar como el escultor ha sobredimensionado los lóbulos de las orejas; esto es bastante usual en las representaciones de los Shichifukujin entre los cuales Hotei es usualmente representado con este detalle.

La talla mide 4.5 cm.

Firma, signature: Tomomi